Director: Ben Stiller, Año: 2008, Reparto: Ben Stiller, Robert Downey Jr., Jack Black.

Sinopsis:

En la selva del sureste de Asia se rueda una superproducción sobre la guerra de Vietnam con varias estrellas: Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.), un intenso actor tres veces ganador del Oscar; Jeff Portnoy (Jack Black), estrella de una popular y grosera saga de películas, Alpa Chino (Brandon T. Jackson) estrella del hip-hop metido a actor, y el novato Kevin Sandusky (Jay Baruchel). Pero, a medida que transcurre el rodaje, todo lo que podría ir mal, va mal. Todos se quejan por las condiciones de trabajo. La situación va de mal en peor, sobre todo para el director de la cinta, Damien (Steve Coogan). Tanto es así, que su reparto de estrellas acaba abandonado en mitad de la jungla.

Tras unos años en los que sólo se había dedicado a su faceta de actor, los fans del director de la amada-odiada “Zoolander” vuelven a estar de enhorabuena. “Tropic Thunder” es una película gamberra, gruesa en ocasiones, sutil en otras (Las menos) y técnicamente perfecta.

La película de Stiller funciona como homenaje-parodia al cine bélico contemporáneo, pero también resulta una agria crítica al star-system de Hollywood y a todos los depredadores que sobreviven en él.

Uno de los meritos de la cinta (Aparte de hacer reír, que aunque no lo parezca, cada vez cuesta más) es su compacto guión, que no se desinfla después de la primera media hora (Como suele ocurrir con buena parte de las comedias realizadas en los últimos años) y mantiene el interés del espectador hasta el desenlace sin apenas altibajos. Hay un montón de gags brillantes y algunos diálogos memorables entre Stiller y Downey Jr, y éste último esta sencillamente genial embutido en ese personaje de actor negro.  Jack Black supone lo peor de la cinta, pero aún así tiene algún momento divertido.

Los secundarios no desentonan, al revés, para los que no hayan visto la película sólo decir que se van a llevar algunas gratas sorpresas personificadas en personajes, que suponen un aliciente adicional  para un producto más que digno, casi comparable a otra gamberrada de alto calibre estrenada el año pasado y con la que comparte muchos puntos en común: “Planet Terror”.

A partir de ahora muchos de nosotros no recordaremos igual las películas con retrasados, y es que “Jack el simple” o el impagable comentario del personaje Robert Downey Jr, permanecerán en nuestros pensamientos cada vez que revisemos “Rain-man” o “Yo soy Sam”.

 Eso tiene su merito, Señor Stiller, y que Hollywood y usted  todavía puedan reírse de si mismos es una buena, que digo, una sensacional noticia. Ojalá más directores se animasen a realizar filmes tan políticamente incorrectos como “Tropic Thunder”, que bien le vendría a este ñoño y encorsetado mundo.

Puntuación: 7

Director: Lewis Milestone -  Año: 1930 – Reparto: George Abbott, Del Andrews, Maxwell Anderson.

SINOPSIS: La película narra la historia de un grupo de estudiantes alemanes que, alentados por los discursos patrióticos, acuden al frente ilusionados con el hecho de defender a su patria. Sin embargo, poco a poco, irán descubriendo la verdadera esencia de la guerra.

Comentario: Hasta hace bien poco, un servidor creía haber visto las mejores películas del cine bélico, y siempre que me preguntaban por las más grandes, contestaba con unos pocos títulos, casi todos ellos ya míticos y casi todos ellos con un nexo en común: Su anti belicismo.

Tanto las grandes producciones (“Apocalypse Now”, “Platoon”, “La chaqueta metálica”, “Senderos de Gloria”, “La delgada línea roja”) Como otras de presupuesto más modesto (“La cruz de hierro”, “Uno Rojo, División de Choque”, “Casco de acero”) Resultan, cada una a su manera, un alegato duro y en algunos casos veraz contra cualquier guerra acaecida o que este por acaecer.

Pero ninguna es tan rotunda, tan cruel y pesimista como “Sin novedad en el frente”. Hasta en “Senderos de gloria”, el epilogo suavizaba la angustiosa odisea vivida por el personaje de Kirk Douglas. Aquí no hay lugar para el respiro, ya que las únicas treguas que concede el film de Milestone, son antesalas de momentos aún más desoladores y terribles.

Es remarcable que un film de los años treinta tenga este estremecedor honor, pero aún más elogiable es que el mensaje antibelicista permanezca intacto o que incluso algunos pasajes sean de una inusitada actualidad; Una de las críticas más rotundas del film se dirige a los mecanismos políticos y sociales que se encargan del reclutamiento de los soldados del ejercito, a los que culpa de mandar a morir a niños a base de mentiras y falsos sueños de grandeza. Algo, como digo, de una patente actualidad si echamos un vistazo a cualquier región enfrascada en un conflicto bélico.

“Sin novedad en el frente” es una obra adelantada a su tiempo. Desde el argumento, donde la historia se narra desde el punto de vista Alemán, pasando por las espectaculares secuencias de batallas o el ritmo frenético del argumento, hasta la fotografía, la dirección o los encuadres, que dan la sensación de estar viendo un film mucho más cercano en el tiempo, pero del que cabe recordar que sólo se estrenó dos años después que lo hiciera la primera película sonora de la historia del cine.

Lewis Milestone, un artesano más conocido por haber dirigido “Motín a bordo” firma aquí su obra maestra, legando para el séptimo arte una de las secuencias más bellas y crueles vistas en una gran pantalla, y algunas otras que se graban en lo más hondo del recuerdo, pero que no destriparé aquí para los que quieran descubrirla.

En el apartado menos positivo, únicamente se le puede reprochar la larga duración y algunos tics interpretativos pertenecientes al cine expresionista  utilizados por algún secundario.

Altamente recomendable verla un día que luzca el sol y en el que uno no se sienta deprimido. Si en su vida no hay días así, también se la recomiendo.

Puntuación: 9

Titulo: The Dark Knight Año: 2008 Director: Christopher Nolan Reparto: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Gary Oldman.

Sinopsis: Batman (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y el Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman tiene como objetivo destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra ser eficaz, pero pronto termina siendo presa del caos desencadenado por una nueva mente criminal que los aterrados ciudadanos conocen como Joker.

Comentario:

La película más esperada del año no defrauda, al contrario, entusiasma. El mejor reparto del año lo borda y uno de los mejores directores del panorama actual da el do de pecho en esta monstruosa película, quizás no perfecta (¿Excesiva duración) Pero sin duda apabullante.

Es probable que incluso a los que no les haya gustado la cinta puedan coincidir conmigo en esto: “Dark Knight” es el film de superhéroes más complejo jamás rodado. Quizás esto no sea decir mucho para el cinéfilo habitual, pero a lo largo de las últimas décadas hemos visto películas de superhéroes adultas y competentes, algunas de ellas incomprendidas por el gran público y la crítica (Hulk de Ang Lee) y otras aplaudidas por todos (Superman de Reeve, Batman de Tim Burton o los X-men de Singer)

La cuestión es que “Dark Knight” da un paso más allá que cualquiera de esos films. Nolan disecciona a Batman, al Joker y a Harvey Dent con la misma precisión de cirujano que hizo con el personaje de Guy Pierce en “Memento” o con los atormentados antagonistas de “Insomnio”. Un trabajo ejemplar el del director Inglés, que profundiza en la psique de Batman a través de su lado opuesto, El Joker, mientras que Harvey Dent se muestra como la luz y la oscuridad que une simbólicamente a ambos.

Un desarrollo complejo y con varias lecturas, mucho más allá de la lucha del bien contra el mal que se suelen dar en este tipo de films. Si a esta película le amputasemos las escenas de acción,  seguiría siendo un estimulante duelo psicológico de personajes, un film repleto de matices y de, como tiene que ser, preguntas sin respuesta.

Pero “Dark Knight” es más. Es cine de mafias y película de acción, y que escenas de acción, Señores. Hace poco leí una crítica negativa que decía que la película era un climax constante y que las escenas resultaban demasiado frenéticas. Y tenía parte de razón, pero es que el verdadero climax es tan apasionante como cualquiera de los otros climax, desde la excelente primera secuencia en el banco hasta la alucinante persecución de la furgoneta de Harvey Dent. La única escena que podría sobrar (Aparte de la conversación final entre Gordon y su hijo, que si que sobra) Es la del traslado de Dos caras en el coche de Gordon tras salir del Hospital, una secuencia algo confusa aunque bien resuelta, y con una toma antológica del Joker saliendo del Hospital vestido de enfermera.

Otro de los meritos de la película es que transmite al espectador la misma sensación de angustia e impotencia que siente la ciudad y sus protagonistas ante el caos y la destrucción liderada por el Joker, en un ejercicio de montaje brillante y espectacular a partes iguales.

Llegados a este punto es el momento de hablar de Heath Ledger. Me gustó mucho en “Brokeback Mountain”, pero desde luego admito que no era uno de mis actores favoritos. Después de ver su interpretación del Joker, tengo que decir que le echaré de menos, que quizás todos le echemos de menos. Puede que en muchas tomas saque la lengua y que ese tic no siempre consiga el efecto deseado, pero su trabajo es impresionante, vibrante, todo un salto al vacío; la mejor actuación del año junto a la de Tommy Lee Jones en “En el valle de Elah” y la del dúo Day Lewis-Paul Dano en “Pozos de ambición”. Este chico debe ser candidato al Oscar por meritos propios. Estoy seguro de que si siguiera con vida, su nominación hubiese resultado menos polémica de lo que al parecer puede llegar a ser. Una polémica absurda, por cierto.

Ensalzar a Ledger como el rey de la función no debe desmerecer la encomiable labor del resto. Bale esta de nuevo perfecto en su doble papel, aunque quizás sea el único algo eclipsado por Ledger. Gary Oldman y Eckhart están magníficos, el personaje de Oldman se merecía este protagonismo que en la primera parte no tuvo. Michael Caine es el contrapunto perfecto de Bruce Wayne y Morgan Freeman sale poco, pero rinde a la altura del gran profesional que es.

Para los interesados en buscar algún comic de Batman relacionado con la película… Pues igual que ocurría con su antecesora no hay ninguno en concreto, pero si que algunos personajes, como Maroni, y la trama de Dos caras, proviene de “El largo Halloween”, un estupendo comic del hombre murcielago, y que la interpretación de Ledger esta en parte basada en el Joker de “Arkham Asylum”, la obra maestra de Grant Morrison.

Resumiendo: ¿Hay alguien que aún no la haya visto?

Puntuación: 8 y medio.

Mi vecina de arriba tiene un tacón calibre 45.

Puede que a muchos les suene raro, pero estoy seguro que más de un desafortunado sabrá por donde van los tiros.

A mi vecina le gustan las sevillanas. Lo sé por cotilleo o por presunto chisme. Quizás sea falso, quizás le guste la música clásica, el bolero o la maquina de taladrar que pica en la obra de la esquina. Quizás le guste más el obrero que el ruido, el cantante que la canción.

La cuestión es que la leyenda urbana es la siguiente: Le gustan las sevillanas, así que se pasa todo el día con los tacones puestos, siempre dispuesta a marcarse un taconeo, ya sea mientras tiende la ropa o después de que suene el despertador a las ocho de la mañana. No bromeo, ya les avisaré cuando lo haga.

Cuando compramos el piso, el vendedor nos dijo, muy ufano él, que había tenido que colocar en el techo del salón un refuerzo de cemento para poner la escayola y unas luces halógenas. Tonto de mi, comenté que de ese modo el salón sería a prueba de bombas. Creo que el tipo no hizo el menor gesto ante mi comentario (Posiblemente para no delatarse) aunque poco tiempo después apuntó que los vecinos de arriba únicamente incordiaban el día de Nochevieja. Ese día era mejor salir de casa, pues al parecer se montaban unas jaranas de aquí te espero. Me imagino, ahora, a todos los bailaores de España subiendo las escaleras hasta el cuarto piso, con sus zapatos  de charol negros y relucientes, y esos pedazo de tacones preparados para pisotear hasta el último metro cuadrado de la casa de la vecina.

Me imaginé, entonces, a una mujer vestida de Cantaora, esbelta y alegre, tocando las castañuelas e invitando a todo el mundo a bailar.

Nada más lejos de la realidad. La primera vez la vi en una reunión de vecinos: Gruesa y taciturna, aparentando elegancia pero mostrando maneras desagradables, hablando a destiempo, fumando con desgana y animando cualquier enfrentamiento.

El segundo encuentro se produjo en la escalera. Yo la superaba y abría la puerta de mi casa mientras ella, pesada y sofocada, se aferraba a la barandilla como un naufrago a un mástil, haciendo un esfuerzo titánico por avanzar cada vez que se enfrentaba a un escalón.

Llevaba tacones altos, pero no de aguja, sólo redondos y toscos. Era una imagen muy llamativa: Alguien con serias dificultades para llegar a su domicilio, ubicado en un cuarto piso, utilizando tacones altos. Era como ver a un zancudo intentando escalar la pirámide de Micerinos.

Después de cerrar la puerta, un terrible desasosiego se apoderó de mi. Alguien que sufría tanto para subir a su casa, pero que seguía llevando esos tacones como si fuera de lo más normal, se reiría en mi cara si alguna vez me atrevía a subir para pedirle por favor que dejase de utilizar tanto los tacones por la mañana (A las ocho de la mañana) y por la noche (A las doce, a veces a la una)

Se reiría de mi o me lanzaría un zapato con el tacón afilado, o un calzador de acero, o a lo mejor la cosa era distinta a lo que me imaginaba. A lo mejor me invitaba a pasar, y se me ponía a bailar, o me decía que me iba a untar de betún todo el cuerpo…

No, la cosa sería peor que un enfrentamiento a lo James Bond. Diría que ya vería, pero se sentiría ofendida y a partir de entonces haría más ruido, más temprano, más tarde, utilizando más tacones, poniéndoselos en las manos para caminar a cuatro patas, haciéndoselos poner a todas las visitas, perros, gatos y bebes incluidos. Sería el infierno, sería lo normal.

Mi vecina no pasa de los cincuenta. La quedan muchos años para seguir atormentándonos, para que sus piernas la flaqueen, para que tenga que tomar la decisión de colgar sus zapatos.

Pero yo aún tengo esperanza de que un día de estos cambie las sevillanas por el budismo y podamos vivir en paz.

La esperanza es lo último que se pierde.

Lo primero es el respeto, y lo segundo, la educación.

Hace unos años, “Maus”, un comic basado en la autobiografía de un superviviente de un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, rompía las fronteras del noveno arte para alzarse con el premio Pulitzer.  Ahora, “Persépolis” otra obra autobiográfica, ya se ha consagrado como referencia dentro del mundo del comic y fuera de él.
En “Persépolis” la autora nos cuenta su difícil infancia en Irán y en Austria, dentro de un contexto histórico repleto de revoluciones, guerras y represiones religiosas.
Lo cierto es que no he podido menos que emocionarme al ver que la última reedición en formato tomo de este comic, se podía encontrar en el escaparate de grandes centros comerciales, prestigiosas librerías o colocado en primera línea de venta durante el día del libro.
Que un comic escrito y dibujado por una autora Iraní, que trata sobre una parte de la historia de  Irán, y que lo hace con un trazo infantil y en blanco y negro, haya tenido el éxito y la difusión que ha conseguido “Persépolis”, es para quitarse el sombrero, para saltar de alegría o para rezar para que no sea la última excepción.
Este tipo de acontecimientos te obliga a recapacitar sobre los gustos del consumidor, y te mueve a preguntarte si realmente somos tan borregos como la sociedad y las estadísticas quieren darnos a entender.
Por que “Persépolis” es un comic de una calidad indiscutible, narrado con un desparpajo tan natural que a pesar de las diferencias culturales y sociales (Que Satrapi demuestra que no son tan lejanas a las nuestras) Te engancha desde sus primeras viñetas.
La autobiografía de Satrapi, lejos de ser aburrida, es un derroche de ingenio e ironía, una estimulante historia plagada de humanidad y de ternura, vacía de moralinas y de rencores, pero a su vez firme a la hora de denunciar la ignorancia y la intolerancia, no sólo del régimen Iraní, sino del mundo en el que le ha tocado vivir a la autora.
El dibujo de Satrapi es aparentemente tosco y parco en detalles, pero pienso que su sencillez es sólo aparente. No hay nada más que fijarse en sus descripciones pictóricas de la guerra, en su trabajo para el proyecto de fin de carrera o en cualquier dialogo hogareño con sus padres o su marido. Rezuma poesía y magia, algo muy difícil de conseguir cuando se trata de fusionar la realidad con la imaginación.
Para hacer eso hace falta talento y dedicación, algo que no sobra y que Satrapi utiliza con sencillez y maestría.
De lectura obligada.

LA CARRETERA

Cormac McCarthy

Premiada con el premio Pulitzer 2007 en la categoría de ficción, en “La carretera”, McCarthy nos adentra en un mundo apocalíptico provocado por una guerra nuclear, la cual ha convertido el planeta en una tierra baldía, un lugar devastado por las bombas y de atmósfera envenenada, donde el sol apenas puede atravesar una permanente nube toxica que arroja lluvia y cenizas, y que impide cualquier posibilidad de cultivar la tierra o de que las plantas subsistan.

En ese nuevo mundo inhóspito y terrible, el termino humanidad ha dejado de existir. Sólo perviven salvajes bandas organizadas y hombres dispuestos a todo con tal de alimentarse y de continuar vivos un día más.

La imposibilidad de producir alimentos y la escasez de animales, provoca que con el paso del tiempo se fomente el canibalismo entre los supervivientes, y sólo unos pocos se niegan a seguir ese camino, viéndose forzados a permanecer en una continua huida pero a su vez en una desesperada búsqueda: La de la comida abandonada antes de la guerra.

“La carretera” narra las desventuras que corren un padre y su hijo durante esa exasperada búsqueda, siguiendo el rastro de una carretera que les guía a ciudades abandonadas, pueblos desiertos y granjas que ocultan múltiples secretos.

Hasta aquí todo apunta a que esta novela no parece diferir de otros libros enclavados en el subgénero de ciencia ficción apocalíptica, permitiendo al recuerdo aportar no pocas imágenes de los filmes de “Mad max” y de los sucedáneos italianos que después los siguieron.

Como ya hemos visto en otras ocasiones con otros autores de prestigio que se embarcan en géneros supuestamente menores, la crítica nos quiere vender que este libro es mucho más que una novela de genero.

Y si, “La carretera” es un magistral estudio sobre el ser humano, sobre la soledad, sobre la supervivencia y sobre los límites de la ética, pero eso no es óbice para que también sea una novela de ciencia ficción, con sus ingredientes macabros y sangrientos, con sus momentos de descarnada violencia y con una “Estética” cercana a los films de los setenta arriba mencionados.

Un gran libro lo es al margen del genero al que pertenece. Y “La carretera” lo es, bastante mejor que el hasta ahora más conocido libro de McCarthy: “No es país para viejos”.

Las constantes del autor se multiplican en este relato árido, cruel y desesperanzado: Los diálogos, breves y lacónicos, nos dicen más cosas que nunca, las descripciones de los paisajes, llanas y a su vez poéticas, ensalzan el carácter épico de los personajes, embarcados en un callejón sin salida del tamaño del planeta tierra. McCarthy huye de las moralejas, de la crítica social y política. Nos acusa y se acusa.
Somos culpables.
Somos humanos.

Director: Frank Darabont, Año: 2008, Reparto: Thomas Jane, Jeffrey Demunn, Marcia Gay Harden.
 
SINOPSIS:
Tras una tormenta, un pequeño pueblo de Maine es invadido por una espesa niebla. Un grupo de personas que compraban en un supermercado descubren que la niebla esconde algo terrible que esta matando a todo aquel que se introduzca en su interior.
 
Para los no habituales al genero que piensen que este es un remake de “La niebla” de John Carpenter, comentarles que no es así, sino que se trata de la adaptación de un libro de Stephen King, concretamente escrito en la primera época del autor.
Frank Darabont vuelve a basarse, por tercera vez, en una novela del maestro del terror, tras la notable “Cadena perpetua” y la muy interesante “La milla verde”. Como ocurriera con otro habitual de sus adaptaciones, el no menos brillante Rob Reiner, Darabont parece conocerse de memoria la tecla que hace que el universo King funcione en la gran pantalla, y convierte un relato ameno pero menor, en un inquietante alegato contra el modo de vida Americano, contra las armas, el fanatismo y la estupidez humana.
Es posible que el principal problema de “The mist” sea precisamente ese, el querer abarcar tanto, el querer ser más de lo que es, pero no por quedarse a medias, sino más bien por pecar de excesiva en momentos determinados.
Un problema a tener en cuenta, pero que no dilapida, ni mucho menos, la labor de todo el equipo de este diferente film de genero.
Si “The mist” es una de las mejores películas de terror de los últimos tiempos, no lo es por las dosis de suspense o los fx (Pobres al principio, sublimes al final) Ni por los momentos de tensión, que los hay, sino por la aparentemente simple labor de humanizar a los personajes. Ese es el error más grave en el que incurre la mayor parte del cine de genero que actualmente se produce. Por muchos sustos, increíbles efectos y grandiosos decorados, sino creas unos personajes creíbles (O bien los creas pero luego no eres consecuente con ellos) El espectador nunca se involucrará en tu historia.
Esa es la labor que Darabont maneja con maestría,  la que nos hace sentir que estamos atrapados en el interior de ese supermercado, impotentes, estupefactos, incrédulos ante todo lo que ocurre, tanto de puertas para fuera como de puertas para dentro.
Los actores están magníficos (Salvo alguna sobreactuación puntual) y desde la primera secuencia uno palpa una tensión que apenas se desvanece cuando aparecen los títulos de crédito.
Muchos dirán que lo mejor de esta película es su final, otros asegurarán que no es lógico ese desenlace… Pienso que lo que ocurre en la última escena es una consecuencia de todo lo que hemos visto a lo largo de su metraje, salvo que puede que a nosotros nos resulte más chocante por estar a este lado del charco.
Al otro lado, ese final (Bueno, y lo demás) Debe de haber escocido, y de que manera. Puede que casi tanto como la escena final de “En el valle de Elah”.
Por lo tanto, chapeau para Darabont, por atreverse con un guión final de carácter tan comprometido, a sabiendas de que eso repercutiría en la recaudación en las salas Americanas.
Una película recomendable, tanto si eres fan del cine de terror como si no, tanto si buscas cine comercial palomitero, como si buscas algo que te de que pensar al abandonar la sala.
Puntuación: 7

La 80 edición de los Oscar será recordada como un año histórico para el cine español por el premio a Javier Bardem, pero fuera de nuestras fronteras quizás sea más recordada por el ensombrecimiento producido por  la huelga de guionistas, al que habría que sumar el absentismo cinéfilo mostrado por los propios miembros de la academia a la hora de elegir películas y nominaciones.
Debido a ese absentismo se podría explicar la falta de películas como “4 meses, 3 semanas, dos días” o “Persepolis”, o incluso “El orfanato” (Aún no he visto “La soledad”, pero…) En la categoría de Oscar a la mejor película extranjera. Especialmente grotesco resulta lo de “Persepolis”, finalmente incluida en la categoría de mejor film de animación como premio de consolación. Así mismo, la ganadora del Oscar en esta categoría, “Rataotouille” (Ganadora más que merecida) Podría haberse llevado el Oscar a mejor guión original, y porque no, el de mejor película y mejor director, porque de las nominadas creo que ninguna supera al film de Bird.
 Los Oscar de este año se han repartido tanto como la lotería, y no me extrañaría que la distribución de premios se hubiera hecho con un pequeño bombo, como esos de juguete que regalan a los niños en reyes.
No me malinterpreten, “No es país para viejos” (Mejor película, dirección, guión adaptado, mejor secundario) Es una buena película, pero no es otra obra maestra de los hermanos Coen, que no hacen una genialidad desde “Oh, Brother”.
¿Qué ya era hora que tuvieran un Oscar? Como ocurre casi siempre en estos casos, se lo dan a un director por una película por la que no lo merecía.
¿Qué no había tanta competencia? Podía haberla habido, si se hubieran incluido “En el valle de Elah”, o “American Ganster”. De las películas que luchaban por la mejor película y la mejor dirección me quedo con “Pozos de ambición”, una excelente película, que aún así me dejó con sensaciones contrapuestas; Gran realización y estupendas interpretaciones (Paul Dano incluido) pero irregular por momentos y excesiva en varios tramos.
¿Las otras? “Michael Clayton” no sé que pintaba entre las candidatas, “Swenney Todd” no tenía visos de ganar nada (Otro año te tocará, Tim, seguro que por un film peor que este) Y a “Expiación” le ha podido el poco interés que despiertan desde hace un tiempo las grandes superproducciones dramáticas.
Por eso quiero insistir y defender una película tan honesta y tan bien contada como “En el valle de Elah”; Una película que emociona y te hace reflexionar (Bueno, los americanos debieron reflexionar bien poco al verla) Con un Tommy Lee Jones inmejorable, en un papel más difícil y complejo que el de Daniel Day Lewis, y eso que me quito el sombrero ante este último. ¿Y que decir de la dirección de Haggis? Bastante más firme y contundente que en “Crash”… ¿Qué hubiera pasado si en vez de estar el nombre de Haggis en los títulos de crédito hubiera estado el de Clint Eastwood?
¿Y Denzel Washington? ¿Nadie se ha acordado del papelon que interpreta en “American Ganster”?
En fin, injusticias de los Oscars, todos los años las hay, no todos pueden ser premiados y todo ese rollo… Aunque este año ha sido más injusto que otros (En las categorías femeninas no voy a entrar porque no he visto todas las pelis) Por lo menos para mi.
Si ni siquiera le han dado el Oscar a los mejores fx a “Transformers”.
Aquí va la lista de premiados.

Mejor Película

No es país para viejos, de Joel y Ethan Coen

Mejor Director Joel y Ethan Coen, por No es país para viejos

Mejor Guión Adaptado

Joel y Ethan Coen, por No es país para viejos

Mejor Actor de Reparto

Javier Bardem, por No es país para viejos

Mejor Actriz Principal

Marion Cotillard, por La vida en rosa

Mejor Maquillaje

Didier Lavergne y Jan Archibald, por La vida en rosa

Mejor Actriz de Reparto

Tilda Swinton, por Michael Clayton

Mejor Película Extranjera

The counterfeiters, de Stefan Ruzowitzky (Austria)

Mejor Banda Sonora

Dario Marinelli, por Expiación

Mejor Canción Original

Falling Slowly (Once), de Glen Hansard y Marketa Irglova

Mejor Guión Original

Diablo Cody, por Juno

Mejor Dirección Artística

Dante Ferretti, por Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet

Mejor Actor Principal

Daniel Day-Lewis, por Pozos de ambición

Mejor Fotografía

Robert Elswit, por Pozos de ambición

Mejor Película Animada

Ratatouille, de Brad Bird

Mejor Diseño de Vestuario

Alexandra Byrne, por Elizabeth: La edad de oro

Mejor Película Documental

Taxi to the dark side, de Alex Gibney

Mejor Corto Documental

Freeheld, de Cynthia Wade y Vanessa Roth

Mejor Cortometraje Animado

Pedro y el lobo, de Suize Templeton

Mejor Cortometraje

Le Mozart des pickpockets, de Philippe Pollet-Villard

Mejor Mezcla de Sonido

Scott Millan, David Parker y Kirk Francis por El ultimátum de Bourne

Mejor Montaje de Sonido

Karen M. Baker y Per Hallberg, por El ultimátum de Bourne

Mejor Montaje

Christopher Rouse, por El ultimátum de Bourne

Mejores Efectos Especiales

Michael Fink, Bill Westenhofer, Ben Morris y Trevor Wood por La brujula dorada

Oscar Honorífico

Robert Boyle

Premio Paul Dano: Porque tu lo vales

NO ES PAIS PARA VIEJOS

 
Director: Joel y Ethan Coen, Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin.
Basada en un libro de Cormac McCarthy.
SINOPSIS: Un cazador y veterano de Vietnam llamado Lewelyn Moss descubre por casualidad la sangrienta escena de una carnicería entre narcos en algún lugar de la frontera entre Texas y México. Entre los cuerpos descubre también algo más de dos millones de dolares. A partir de ese momento comienza la desesperada carrera de Moss por escapar de una banda de criminales mexicanos, de un Sheriff veterano que añora los viejos buenos tiempos y de una implacable maquina de matar: Antón Chigurh.
 
Después de tres años de silencio (Sin contar el Sketch de “Paris je t´aime”) y tras los tropiezos que supusieron “Crueldad intolerable” y “The Ladykillers”, los hermanos Coen regresan a terreno conocido, manteniendo sus caracteristicas pinceladas de humor soterrado pero embarcándose en un atípico western árido, violento y crepuscular, más cerca de “Fargo” que de “El gran Lewoski”.
Los paisajes desérticos y las habitaciones de los Moteles de carretera son dos protagonistas más de la película, lugares solitarios por los que se mueven los distintos personajes en un ¿Predestinado? juego del gato y el ratón. La película es contada desde tres puntos de vista distintos, y atentos, porque casi en ningún momento del metraje los protagonistas llegan a coincidir en el mismo sitio. Esto puede provocar, al final del film, la sensación de que hay varias cosas que quedan por contar, o que falta una segunda parte, como decía uno a la salida del cine. No estamos ante un relato corriente, donde buenos y malos buscan tópicos para ver quien es el mejor. Ni la intención de Cormac McCarthy era escribir un thriller al uso, ni los Coen querían seguir otro camino que no fuese el del libro. Por esa razón “No es país para viejos”, a pesar de los tiroteos y de las muertes violentas, no gustará a los que vayan al cine esperando una película de acción o un western típico,  por que la parte final del film se encarga de desbaratar todos las reglas de dichos géneros y se convierte, ni más ni menos, que en una sorprendente reflexión sobre el azar y el destino.
El film es fiel al libro de Cormac McCarthy, Bardem hace un buen papel pero no a tanta distancia de Tommy Lee Jones como los premios obtenidos por el primero han querido constatar. Los Coen se benefician de los cortantes diálogos del autor para minimizar la verborrea literaria en la que caen algunas adaptaciones, y su dirección, siempre sobria y elegante, hace que la cinta no se convierta en una rutinaria persecución de carretera, aparte de contar con algunas secuencias excelentes. Sin embargo, al conjunto le falta la profundidad precisa para que las tres historias calen más hondo, y ahí es donde la fidelidad a un buen libro, pero no un gran libro, convierte a “No es país para viejos” en una buena película, pero no en una gran película.
Puntuación: 7

En el país de los bajos presupuestos, la serie B vendría a ser la reina del castillo, opulenta, lisonjeada y guarnecida por directores de prestigio; mientras, a la serie Z  la tendríamos que buscar en un barrio miserable de un pueblo abandonado, y no sería más que una pordiosera tuerta, cuyo única labor sería cargar, sin dignidad y como si de una cruz se tratase, la rebosante escupidera de los críticos y aficionados al cine “serio.”
Cualquier aficionado puede rememorar enseguida algún titulo de serie B que haya tenido un elevado grado de éxito de crítica o publico.
Con la serie Z eso no ocurre. La serie Z es mala porque ni siquiera tiene el presupuesto mínimo para que nuestros ojos no se vean castigados por fallos constantes de iluminación, racord o interpretación.
Pero incluso dentro de este subgénero de subgéneros hay títulos conocidos, como “El vengador Tóxico”, “War” y otras películas de la troma, sin olvidar a Ed Wood,  Ray Dennis Steckler  y otros directores de los ochenta.
Para los aficionados a las curiosidades voy a comentar algunos films desconocidos u olvidados que me llamaron la atención en su momento y que puede que piquen la curiosidad de algún lector desprevenido y con ganas de perder su tiempo.
Alguna de estas películas podrían entrar en el campo de la serie B o estar cerca de serlo, pero como lo que cuenta es el interior, sus almas están corruptas,  son cutres y Zetosas al cien por cien:
 

MUERTE EN EL AÑO NUEVO (Bloody New Year) 1987
 
Dirigida por el director inglés Norman J Warren, “Bloody New Year” es la película que jamás rodaría un realizador en sus cabales. Un grupo de jóvenes que huyen en barco de unos atracadores, van a parar a una misteriosa isla deshabitada donde todavía cuelgan carteles de felicitación de las navidades del año 1959. A partir de ahí los chicos empezarán a ser asesinados de las formas más singulares, mientras algunos de ellos descubren que en realidad la isla fue utilizada para realizar una serie de experimentos que tenían que ver con viajes en el tiempo…
Tengo que confesar que le tengo cariño a esta extraña cinta. Los actores son malos y la dirección penosa en algunos (Bastantes) momentos… Pero el guión es tan psicotronico e irreal (Una isla atrapada en el tiempo) y las situaciones tan bizarras (Mesas que cobran vida, árabes locos que salen de una película de cine a través del proyector, zombies, risas invisibles en medio del campo…) que no deja de fascinarme ese todo vale, que junto a su espíritu casposo pero decididamente imaginativo hacen de esta rareza una experiencia anodina pero diferente. Y encima tiene un pedazo de canción como tema central ¿Qué más se puede pedir?

JUEGO INFERNAL (Sorority Babes in Small Bowl-O-Rama) 1988

Como rito de iniciación para entrar en una fraternidad, un par de  jovenzuelas ligeras de cascos son obligadas a pernoctar en una bolera donde años atrás ocurrieron una serie de horribles crímenes.
Unos chicos descerebrados y salidos siguen a las chicas y a las miembros de la fraternidad, quienes aprovechan la intimidad del lugar para preparar algunas bromas de mal gusto. Lo que no saben es que un descuido uno de ellos libera sin querer a un Imp, un malvado genio de la lámpara que descansaba en un trofeo desde que alguien lo atrapará ahí hacía algún tiempo. El Imp enseguida empezara a otorgar deseos a los menos precavidos y los deseos pronto se volverán en contra de todos.
Recuerdo que hace muchos años, cuando la emitieron en Televisión, leí una crítica positiva de esta cinta en el Abc. Me chocó sobremanera que un periodista de un periódico como aquel se atreviese a ensalzar la imaginación de una cinta de terror por encima de sus minúsculos recursos, aunque lo que más me asombro fue que hicieran una reseña de ella, ya que se emitió un Domingo en el que compartía programación con varias películas conocidas.
Por mucho que este hecho no se haya borrado de mi escueta memoria, pienso que en absoluto fue una influencia a la hora de ver la película, aunque comparta al cien por cien la opinión entonces vertida por aquel reseñista (¿Quién sería?)
“Juego infernal” es una comedia de terror light, con una poseída vestida de novia de Frankenstein, chicas desnudas o semidesnudas, continuas mofas a los tópicos del genero, poca sangre y mucha diversión detrás de cada esquina. El trío de Scream Queens formado por Linnea Quigley, Brinke Stevens y Michelle Bauer nunca estuvo en tan buena forma (Física, claro) Ni siquiera en la también chisposa “Nightmare Sisters”. Mucho mejor de lo que parece y la mejor producción de un director ahora totalmente infame: David Decoteau.

ZONA RESTRINGIDA (SCARECROWS) 1988
 
Tras un arriesgado robo, una banda de atracadores huye en un jet privado. Uno de ellos decide quedarse con el dinero y salta del aparato dejando una bomba para liquidar a sus compañeros de fechorías. A pesar de ello, algunos consiguen sobrevivir y siguen el rastro del traidor hasta una finca abandonada, gobernada por campos de maíz y custodiada por unos cuantos espantapájaros que no tardaran en cobrar vida.
Una curiosa y estimulante propuesta que si bien no termina de explotar sus bondades, funciona como terror sangriento y atmosférico. La dirección es torpona  y nos cuelan tres o cuatro planos tantas veces que parece una peli de Jesús Franco. Los actores están más centrados de lo habitual para un producto de este tipo y una peculiar sensación de inquietud no te abandona hasta que llegan los títulos de crédito. Los buenos fx tienen parte de la culpa de esto último: Las muertes son gráficas y muy bestias. El guión incluye algunos giros que hacen que el interés no decaiga, y aunque, por desagradables, no llegas a empatizar con ninguno de los personajes, te da lastima verlos morir de formas tan sanguinarias y poco cristianas.
Entretenida y simpática.